“EL ARTE PUEDE EXPLORAR TEMAS UNIVERSALES, ESTÉTICOS Y GENERAR UN DIÁLOGO SIGNIFICATIVO CON EL ESPECTADOR”
Sus creaciones develan un gusto por lo esotérico y el misticismo. Una de las premisas sobre las que trabaja Alaiz es que la vida es una lección permanente y que lo esencial consiste en aprender a ser humano.
Ella nos cuenta que desde que tiene memoria se dedica a dibujar, pintar y hacer collages. Alrededor de los 5 años plasmó sus primeros bocetos.
A continuación, les compartimos la entrevista que nos ha complacido realizar a la artista independiente de 26 años, con el fin de hablar de su trayectoria personal, el concepto del arte y la escena local.
Alaiz es una artista visual autodidacta, profesora en Artes Visuales y maquilladora profesional. La sanjuanina se desempeña en el arte tradicional y digital.
12/04/2024
AUTORA
Ana Paula Avila
El lienzo de Alaiz
¿Cuál es el significado de tu nombre? ¿Qué representa la mujer alada?
Alaiz es la suma de las últimas dos sílabas derivadas de mis nombres originales, pero invertidas, más, la última letra de mis dos apellidos. El resultado sería (Al) + (ai) + (z) = Alaiz. Mi alias surgió por la necesidad de usar un nombre corto y simple de recordar. Graciosamente, con el tiempo descubrí que "Alaiz" es un nombre y un apellido en otros países.
La mujer alada fue una ilustración que seleccioné durante los tiempos de pandemia y aislamiento, con el fin de proponer un logo para mi blog de arte. Al principio, no estaba muy decidida y opté por una imagen sencilla. Todo comenzó como una selección al azar y luego empezó a cobrar forma a medida que iba redescubriendo mi propia persona y mis objetivos en el arte. De ser una bocetación a mano alzada, se convirtió luego
¿Cuándo decidiste lanzarte como artista? ¿Y cuándo sentiste que te habías convertido en una?
Mi trayectoria artística comenzó desde que era muy joven alrededor de los 5 años. Durante la primaria esta pasión se consolidó aún más y, desde entonces, supe que quería seguir un camino relacionado con el arte.
A pesar de que la secundaria que elegí no era específicamente orientada al arte, ya que era la Escuela de Comercio (ECLGSM), esto no me detuvo para seguir participando en talleres artísticos.
Una vez finalizada la secundaria, decidí seguir la carrera de Artes Visuales, tanto para convertirme en profesora como para obtener una licenciatura. Durante todo ese transcurso no tuve impedimento por mis padres o familiares, ni por la supuesta dificultad financiera que significaría, ya que tenían por sobreentendido a que me dedicaría.
Pasado un tiempo, fue cuando tomé la decisión de lanzarme en el arte de manera independiente. Sentí que tenía las habilidades necesarias después de años de práctica constante.
luego en el bosquejo de un mapa personal y significativo que se relacionaría con un estilo de vida más ligero y agradable.
La imagen en sí no aboga por una religión en particular, por lo que no pretendo encasillarla con una doctrina o un dogma. En ese sentido, a la mujer alada la relaciono más bien con la serenidad, la calma, la paz, y tomar perspectiva sobre las cosas que me acontecen.
No imaginé que la imagen obtendría su fuerza con el pasar del tiempo. En el presente, es todo un reto para mí cambiarla por otra ilustración que proporcione el mismo contenido inicial. Lo mantendré así por un buen tiempo.
Lo considero multifacético. Se distingue por fusionar diversas disciplinas, tanto en su aspecto estético como en su significado, abarcando desde lo más tradicional hasta lo digital. Me aventuro en formas de expresión que incluyen el dibujo, el diseño, el maquillaje, el modelaje artístico, el performance y la producción audiovisual. Siendo el dibujo la técnica principal que desarrollé.
Mi enfoque se centra en realismo o surrealismo, a partir de la representación de la figura humana, sobre todo de la figura femenina, a menudo en conjunción con imágenes simbólicas o metafóricas. Además, suelo enriquecer mis obras con reflexiones que reflejan mi filosofía y mis intereses artísticos.
Últimamente, he estado dedicando mi atención a reivindicar el símbolo de la mujer en el plano esotérico, explorando su relación con el concepto de lo sagrado. Este tema ha inspirado una nueva dirección en mi trabajo artístico, en la que busco profundizar en las dimensiones más trascendentales del arte.
¿Cuál es tu proceso artístico? ¿y qué te inspira a crear?
Por lo general, comienzo con bocetos, que actúan como puntos de partida para la generación de un diseño final de manera rápida. Estos bocetos se convierten en disparadores que me permiten sumergirme a un proceso de investigación previo o posterior que abarca temas filosóficos, teológicos, históricos, mitológicos y más. Esta investigación me ayuda a fortalecer los conceptos y las ideas que surgieron inicialmente. Si no encuentro una conexión sólida con los bocetos previos, me dispongo a empezar de cero y continuar trabajando a profundidad. Luego, intento traducir todo ese conocimiento en una producción visual definitiva.
En ocasiones, suele ocurrir que los bocetos simplemente quedan en esa etapa, lo cual sigue siendo una fuente significativa de inspiración. Sin embargo, en otras ocasiones, pasado un determinado tiempo, dependiendo del contexto y mi propio proceso personal, suelo retomar alguna imagen que haya adquirido un valor particular.
En resumen, mi proceso se basa en la combinación de bocetos previos y la investigación de ciertos saberes, luego todo ese aprendizaje se ve traducido en una imagen o composición visual final.
En cuanto a lo que me inspira, encuentro motivación en observar otras producciones artísticas: aprender sobre la historia de los artistas, explorar a grandes rasgos las técnicas que emplearon; y entender el contexto más amplio de cualquier tipo de producción, ya sea visual o audiovisual. Para mí, conocer el trasfondo de una obra es fundamental, ya que me proporciona una comprensión más profunda y enriquecedora de su significado y su impacto.
No podría precisar exactamente cuánto tiempo tomó llegar a ser una artista. Fue un trabajo perseverante y dedicado, donde me esforcé por dominar diversas técnicas, especialmente en el dibujo tradicional.
Sin embargo, una manera de darme cuenta que me convertía en una artista era en la medida que continuaba produciendo obras, exponiendo, participando en ferias, talleres, cursos y entrevistas.
Otra manera de saberlo, fue cuando mis imágenes comenzaron a transmitir un mensaje que iba mucho más allá de mi propia interpretación o diálogo interno; al mismo tiempo que daba a conocer mi trayectoria a través de las redes.
En el presente, todavía me resulta difícil definir cuándo exactamente me convertí en artista o cómo llegué a serlo. No obstante, antes de pensarlo mucho, solo me enfoco en producir, proyectar y exponer, dejando que mi arte hable por sí mismo. Y ver desde ahí qué otras propuestas van surgiendo en el transcurso, aprovechando la oportunidad de difundir mis producciones si las condiciones me lo permiten.
¿Cómo definís tu estilo?
También en estos tiempos, encuentro una fuente adicional de inspiración en el apoyo mutuo, la colaboración y los diálogos enriquecedores que comparto con otros artistas al tomar decisiones o iniciar proyectos. Esta interacción no solo fortalece la comunicación, sino que también profundiza nuestras relaciones, superando cualquier barrera ideológica y dejando de lado las competencias.
¿Qué materiales o herramientas utilizas habitualmente para crear?
Para llevar a cabo mis creaciones, suelo emplear una amplia variedad de materiales y herramientas que van desde lo más básico, como un lápiz y papel, hasta técnicas más complejas.
Utilizo carboncillo, acuarelas, grafito, tinta china y acrílico, entre otras posibilidades, explorando así diferentes texturas y efectos visuales. Además, no dudo en incursionar en el ámbito digital, trabajando con una tableta digital y aprovechando las posibilidades que ofrece este medio para expresar mi arte de manera innovadora.
Distorsión de imágenes, el arte, mente y espíritu
El proyecto de fotomontaje digital “Human Codex” hace uso de la alteración de imágenes virtuales y distorsión. ¿Cómo fue su proceso de creación? ¿Y qué mensaje buscabas transmitir?
Busqué, en primer lugar, poner de manifiesto la falta de privacidad en las redes sociales, particularmente en Facebook e Instagram, en relación a la era de la Inteligencia Artificial (IA) durante el año 2021.
Luego, me propuse crear un simulacro audiovisual que ilustrara cómo la IA se involucra en esta dinámica de exposición constante. Para ello, requirió de la proyección, exposición e instalación de imágenes en un espacio público.
El nombre del proyecto, "Human Codex", surge de la combinación de "Human" (humano en inglés) y "Codex", haciendo alusión a los antiguos códices prehispánicos y su narrativa visual. Este concepto se vincula a la narrativa que subyace en las imágenes, similar a la que se experimentaba en las culturas antiguas y que hoy día se mantiene a través de los medios de comunicación, siendo una práctica predominantemente visual.
El proceso consistió en la selección y edición de cinco imágenes por cada cinco perfiles elegidos y previamente autorizados. Se investigó técnicas estéticas que reprodujeran una ruptura al igual que un Glitch, término que estuvo en tendencia hace unos años. Es muy característico un movimiento conocido como Vaporwave, que expresa cierta nostalgia por la estética tecnológica de antaño.
Puntualmente un "glitch" es un error o anomalía temporal que se produce en sistemas digitales, se observa como perturbaciones visuales o de audio. En el ámbito artístico, el glitch se utiliza como una técnica creativa donde los artistas manipulan estos errores para explorar la estética de la imperfección y la fragilidad tecnológica.
Asimismo, se trabajó con fotografías de personas donde aparecieran sus rostros aplicando técnicas de edición digital, en Photoshop, bajo del género contemporáneo “antirretrato”, mismo que enfatizó en la alteración visual de las imágenes según la composición esperada.
Cada producción se tituló con códigos numéricos basados equivalentes a los nombres de los usuarios. Esta elección de títulos añade una capa adicional de significado y profundidad al proyecto.
"Human Codex" fue presentado en el Centro Cultural Conte Grand, como parte de la exposición de Investigación en Artes Visuales II. En este contexto, se invitó al público a reflexionar sobre la intersección entre la tecnología, la privacidad y la identidad en el mundo digital contemporáneo.
¿Qué es para vos el arte? ¿Y cuáles son sus límites?
Definir el arte es un desafío que abarca un amplio espectro. Incluso en el ámbito de la enseñanza, encontrar una definición clara puede ser complicado. En este sentido, creo que es útil explorar las ideas de autores que compartan afinidades con nuestras propias perspectivas.
Desde esta premisa, considero que el arte es un campo de expresión diverso, donde confluyen distintas formas de vida, estilos y técnicas, tanto convencionales como no convencionales.
Personalmente, creo que el arte debe tener un propósito definido, ya sea para concluir un mensaje o transmitir una idea más allá de la mera forma visual. Además, subrayo la importancia de un aprendizaje continuo y riguroso para perfeccionar la práctica artística, lo que influye tanto en la obra como en el desarrollo personal del artista.
Desde mi perspectiva, es crucial reconocer el vínculo entre la obra y el artista, ya sea de manera directa o indirecta. Para mí, es indispensable concebir cada obra como el resultado de un proceso único e influido por factores individuales, sociales e históricos.
En cuanto a los límites, por un lado, considero que estos pueden llegar a ser autoimpuestos. Por otra parte, no todo lo que se afirma ser arte realmente lo es. Para abordar esta cuestión, además de producir con pasión, un aspecto indispensable, es necesario también realizar una construcción tanto práctica como intelectual para comprender sus límites. Una vez conocidos, los mismos pueden romperse para establecer una nueva noción sobre producir en arte.
No obstante, no se trata simplemente de proponer cualquier concepto, sino de fundamentarlo adecuadamente. Esta justificación debe servir para el crecimiento humano, no solo en el ámbito del arte, sino también en la vida cotidiana.
Para pintar o dibujar, ¿es necesario contar con una formación previa?
No es necesario tener una formación propiamente formal. Si solo de términos prácticos se trata, simplemente basta con la observación y el ejercicio continuo.
Sin embargo, para obtener una comprensión más profunda acerca del arte, que incluya la capacidad de observación crítica y la posibilidad de acceder a instituciones con mayor comprensión
comprensión en el campo, en ese caso sí es preciso tener una formación académica. Ya sea de forma directa o indirecta, en entornos educativos formales y a través de experiencias extracurriculares, como los talleres.
En tu arte se devela referencias religiosas y esotéricas, ¿podrías hablarnos de esto?
Sí, tras varios encuentros y desencuentros con la filosofía y la religión desde mi adolescencia, hice múltiples hallazgos en torno a la simbología y a la iconografía.
Hoy por hoy, no me interesa calificar o clasificar el tipo de rama filosófica o religiosa a la que pertenezco, pero podría decir que desde muy temprana edad pertenecía a una rama agnóstica-atea. Fue un periodo, en el que no daba lugar a cualquier información, pero sí cuestionaba formas de pensamiento contradictorias en el accionar. Entonces este mismo conocimiento lo traduje en mis imágenes, dando así inicio a la investigación filosófica, cuyos aprendizajes me permitieran un acercamiento próximo a la realidad, considerando la multi-sensorialidad y la sensibilidad.
Así fue al punto en que cree un "mapa conceptual" donde, sin premeditarlo mucho, me adentré a conocimientos más profundos de lo que la realidad aparenta. Y que, en muchos casos, sobre todo las imágenes, hasta el día de hoy han quedado en la superficie en comparación a la inmensidad que contiene cada una de ellas. Para mí, es un viaje de ida porque nunca se termina de aprender: Si al principio se trató de un juego caprichoso, de rebeldía y de curiosidad, pronto se convirtió en una labor para representar a conciencia elementos de suma importancia que merecen ser desglosados y decodificarlos para aquellas personas que se encuentran en la misma búsqueda que yo embarqué y necesitan las respuestas que yo en su momento necesité. Considero este trabajo como un ejercicio constante de auto observación y de meditación.
Mientras más alineado se encuentre uno en mente, cuerpo y espíritu, encaminar esta vía puede convertirse en acto de emancipación, dado que el aprendizaje es capaz de prevalecer a través del tiempo y el espacio.
Como venía diciendo previamente, lejos de atribuirle importancia a la rama de la filosofía que aplicaba, lo que mayormente rescaté de esta experiencia es el desarrollo del sentido crítico y la apertura hacia una que puede ser liberadora, si está bien encaminada. Así fue como este ejercicio me permitió desenvolverme mejor y con astucia hacia los nuevos horizontes.
Lo mejor de todo, es que más certeza y saber se adquiere cuando se deja de lado toda mezquindad y diferencias superfluas que no hacen más que limitar el potencial del ser humano.
Influencias que dejan huella
¿Tenés algún movimiento artístico que te haya influenciado?
Son el Surrealismo, Realismo, Romanticismo y la Abstracción, teniendo en cuenta la historia del arte en general. También el período renacentista es otro de mis grandes exponentes.
Del Surrealismo destaco la fusión y la descomposición de la forma por otras nuevas en relación al plano onírico, más la relación de un significado intrínseco.
Del Realismo, el capturar momentos de la vida cotidiana o eventos significativos que se asemejen a la realidad circundante, ya sea en un entorno o un contexto particular, o solamente desde la figura humana.
Del Romanticismo subrayo la influencia de la literatura, así como también la sinestesia de las imágenes y capturar experiencias sublimes.
De la Abstracción considero un ejercicio importante para volver a las formas básicas de composición y hacer consciente las distintas partes de un todo, cuyas imágenes pueden complementarse con otras disciplinas, entre ellas la música.
Finalmente, del Renacimiento, la cualidad racional y lógica de las imágenes en cuanto a los procedimientos metódicos de composición, sumado al contenido alegórico, metafórico o simbólico.
Pienso que en todo campo artístico es preciso estudiar las bases. Una vez que se adquiere el conocimiento suficiente, se puede producir arte en conjunción a las reglas iniciales, al mismo tiempo que se puede seguir explorando otros horizontes derivados o diferentes a lo ya experimentado.
¿Qué influencias tiene el pintor Vasili Kandinski?
Como Vasily Kandinsky, las influencias que han dado forma a mi obra han sido variadas y profundas.
Desde el principio de mi carrera, siempre he sentido una fuerte conexión entre las formas visuales y otras formas de percepción sensorial, como el sonido y la sensación táctil. Esta sinestesia ha sido una inspiración constante para mí, impulsándome a explorar cómo los colores y las formas pueden evocar emociones y conceptos abstractos de una manera única.
Mi interés en la relación entre las formas y la expresión emocional también ha sido nutrido por mi relación con los prototipos de indumentaria teatral. En el mundo del teatro, aprendí cómo las formas y los colores pueden comunicar narrativas y estados de ánimo de manera poderosa, influenciando mi enfoque artístico hacia una expresión más directa y emocional.
Además, siempre he abogado por la síntesis en el arte, buscando destilar las formas y los colores a sus elementos más básicos y expresivos. Esta búsqueda de simplicidad y esencia me ha llevado a crear obras abstractas que buscan hablar directamente a las emociones y la espiritualidad del espectador.
Por último, mi lectura de "De lo espiritual en el arte" ha sido fundamental en mi desarrollo como artista. En este libro, destaco la conexión entre el arte y la espiritualidad, argumentando que el arte abstracto puede alcanzar un nivel más profundo de comunicación espiritual que la representación figurativa. Esta idea ha sido central en mi obra, inspirándome a buscar siempre la trascendencia y el significado en mis creaciones.
¿Encontrás inspiración en la música?
¡Por supuesto! Considero que es un complemento esencial para mis creaciones. A lo largo del tiempo, me ha inspirado música instrumental hasta metal. Aunque últimamente he conectado con canciones cuyas letras contienen metáforas o significados escondidos, que me invitan a la imaginación y a la reinterpretación desde el punto de vista artístico.
Las canciones que escojo apuntan a lo experimental, e incluso remiten a las raíces latinoamericanas cuya sabiduría ancestral ha quedado en segundo plano y que está bueno reivindicar la filosofía de nuestros antepasados.
Muchas de mis obras en relación a la música dependen de mi estado de ánimo. Desde que empecé a focalizar mis dibujos como obras o diseños definitivos, aproximadamente en el año 2014, comencé a ser más consciente de lo que escuchaba. De esta manera, fui orientando mis creaciones hacia una práctica meditativa y auto reflexiva. Eso mismo implicó divisar con profundidad cada experiencia vivida.
En ese aspecto considero que las canciones en general son un mantra: depende de lo que repitas, esto conduce y define un estilo de vida. Por lo tanto, siempre recomiendo prestar atención a aquello que pasa por la mente, el cuerpo, las emociones, sin el fin de demonizar lo que sucede en nuestro interior. En su lugar, atravesarlo para lograr encauzar el pensamiento hacia una vía favorable; ya sea para uno mismo y con los otros.
Concluyo que la música puede ser potenciadora a grandes rasgos tanto para la construcción como la destrucción de algo, y tan solo queda en uno definir cuál es el objetivo de cada obra. Cada acción o inacción es una elección, el arte consiste en eso, y lo mismo ocurre con la música. Cuando ambas disciplinas se unen, la carga de significado puede extenderse en múltiples perspectivas.
Proyectos, consejos y escritura
En su sitio web, define a la práctica del escrito como un ejercicio de introspección fundamental capaz de desenvolverse en distintos ámbitos, al mismo tiempo que fomenta una clara comunicación y sensibilidad.
¿Qué opinas de la escena artística sanjuanina?
La escena artística sanjuanina es un tema debatible por dos razones: Primero, por el pequeño círculo social artístico de la provincia, y segundo, por la economía del país, que por consecuencia demanda mayor competencia.
En primer lugar, el reducido círculo social puede deberse, entre tantas variables, a la tan cuestionada y desconocida salida laboral. Esto repercute en la diversificación de lazos y conexiones de apoyo en sus distintas disciplinas, formas de expresión y estilo de vida. Mientras que el acceso a determinados espacios, se va dando de acuerdo a los puntos de encuentro acordados por cada grupo. Ya sea desde el plano más formal hasta informal, según la filosofía con la que cada artista se identifica.
Por otra parte, dada la condición económica actual, la escena local se ve mayormente influenciada por el aumento de competencia, más allá si se busca con esa intención o no. Sin embargo, esto no es impedimento para seguir estableciendo conexiones y amplificando nuestro diálogo con otros, independientemente del contexto que, ya de por sí, es deshumanizante.
Se puede percibir mayor amplitud a la difusión artística durante los últimos años, pero es cuestión de permanecer en movimiento.
Este periodo histórico, puede ser un recurso para maximizar y potenciar la expresión artística a modo de concientizar, comunicar, reflexionar y seguir exponiendo las propias obras.
¿Podrías contarnos de tu podcast: “Escritura Onírica”?
Partió de una secuencia de relatos que iba compartiendo en las redes, sobre todo en Instagram. En medida que iba avanzando un poco más en términos y conceptos, surgió la idea de crear un programa audiovisual, donde fuera contando mis experiencias personales, mis reflexiones y alguna que otra filosofía afín a mis objetivos.
En un principio, no estaba segura hacia donde se dirigía el proyecto, pero a medida que iba conectando ideas que parecían ser inentendibles, empezó a toma
tomar forma.
En una primera instancia, el proyecto estuvo conformado por un conjunto de narrativas vinculadas a sueños registrados a lo largo del tiempo. Luego, se le fue añadiendo una serie de análisis sobre temas relacionados a: filosofía, teosofía, religión, entretenimiento y relaciones interpersonales. Cada experiencia fue articulándose con teoría para hacer un equilibrio entre lo objetivo y subjetivo.
El programa no se creó con un fin educativo, pero si se originó como un complemento sobre mis búsquedas filosóficas y artísticas. Con el transcurrir del tiempo, fui conociendo colegas y amigos que se sumaron a debatir sobre diversas problemáticas sociales y particulares. La propuesta que se fue enriqueciendo en cuanto a contenido y a la forma de organizar las ideas de manera constructiva. Asimismo, el proyecto se convirtió en un espacio de autoconocimiento, donde propongo tomar conciencia sobre temas simples y complejos. Entendiendo que el contexto que nos rodea, puede ser agradable como también hostil. Para ello es preciso ser comprensivos y compasivos con nosotros mismos, ya que el proceso de cada uno tiene su propio ritmo.
Esta idea además surgió al encontrarme con situaciones y personas que no permitían una retroalimentación. Inicialmente resistí hasta que decidí finalmente desistir. Adaptarme demasiado no estaba siendo productivo, así que opté por compartir mis conocimientos y enfrentar el paradigma de encajar, concluyendo en practicar lo predicado y priorizar mi propio crecimiento. Sorpresivamente, tuve buen recibimiento y logré conectar con personas con un estilo de filosofía similar a la mía. Realmente, puedo decir que fue un gusto haber dejado de insistir en lugares donde debía correr para llegar “a tiempo”, para finalmente llegar a aquellos lugares donde resueno y resuenan conmigo. Teniendo en cuenta siempre el sentido crítico y una sana autoevaluación.
Últimamente, como tuve que realizar diversas actividades, no he subido seguido los capítulos, pero me he tomado tiempo para compartirlos en Instagram. Le añado una categoría para situar al oyente sobre el tema a tratar, por si llega a estar interesado/a en escuchar.
¿Qué consejos le darías a las personas que están comenzando su trayectoria profesional enfocada en el arte?
Sería dentro de todo lo mismo que estoy dando a conocer aquí en esta entrevista. Lo resumo de la siguiente manera:
Primero, nunca dejes de practicar. No hace falta tener talento para crear una obra de arte, con tener pasión y ser perseverante se llega al mismo resultado. Si quieres desarrollar alguna técnica o concepto con maestría, es preciso tener una disciplina y practicar lo que sea necesario hasta lograr la meta propuesta.
Segundo, permanece en movimiento. Busca posibilidades sobre cómo producir, dónde y con quiénes compartir tu arte.
Tercero, todo ejercicio artístico es material imprescindible. Guarda todo lo que tengas y cada avance que hayas obtenido, porque todo eso servirá como sustento para producciones futuras. De esta manera verás tu propia evolución y las personas conocerán tu trayectoria.
Cuarto, crea tu portfolio. Todas tus obras o producciones visuales definitivas van directo a tu carpeta.
Quinto, instrúyete de manera teórica y práctica. Enriquece tu comprensión y desarrollo artístico al sumergirte en la historia, la experiencia y la práctica de diversos artistas y sus obras. Esta exploración te permitirá discernir una línea de pensamiento según el tiempo y te brindará claridad para definir el enfoque de tus propias creaciones.
¿Te gustaría hablarnos de tus proyectos venideros?
Realizo actividades artísticas en paralelo a mi labor como docente, adapto mis planes según las responsabilidades que esta conlleva.
A pesar de ello, mi objetivo principal es continuar exponiendo y difundiendo mis obras de forma física y digital, en ferias y centros artísticos, realizar colaboraciones con otros artistas y músicos, y compartir mis imágenes a través de los medios de comunicación.
También tengo la intención de ofrecer talleres de arte, especialmente de dibujo, para compartir mi conocimiento y facilitar el acceso a la enseñanza para personas de todas las edades.
El arte no es solo una profesión o un simple pasatiempo, sino también un estilo de vida que me ha acompañado a lo largo del tiempo. Por tanto, seguiré formándome constantemente como artista en el lenguaje artístico que empleo. Llevaré mi experiencia a donde vaya.
Sexto, crear arte no solo se trata de expresar emociones. Implica, además, la capacidad de transmitir ideas, explorar conceptos y provocar reflexiones profundas en quienes lo contemplan. Aunque la expresión emocional es una de tantas facetas del arte, esta no es la única forma de abordarla. El arte puede también explorar temas universales, estéticos y generar un diálogo significativo con el espectador.
Séptimo, frente a una época de inmediatez la relación entre obra y artista sí importa. La facilidad de comunicación que promueven las nuevas tecnologías y las redes sociales.
Octavo, presta atención a lo que consumes. Es necesario reflexionar sobre lo que consumes a diario en lo visual, auditivo, incluso en la comida. Todo influye en tu producción. Depende de eso, es si la experiencia creativa se ve fortalecida o limitada.
Noveno, transmite tu propio mensaje. Transmitir un mensaje a través del arte conlleva un compromiso no solo con uno mismo, sino también con el entorno circundante. Se requiere del sentido crítico, la comunicación, la autoconciencia, la resiliencia y la autonomía. A pesar de percibirnos como "indiferentes", "únicos" o "superiores", seguimos siendo seres sociales y nuestras creaciones tienen un impacto significativo en la sociedad.
Décimo, el cambio empieza por uno. Si quieres cambiar al mundo, debes empezar por transformarte a ti, para tu crecimiento personal. Practicar con el ejemplo se reflejará sin duda tanto en tu persona como en tu arte.
Decimoprimero, aprende a ver y a escuchar. Desarrolla la habilidad de observar y escuchar profundamente, yendo más allá de las apariencias superficiales para comprender plenamente el significado detrás de las cosas, situaciones o personas.
Decimosegundo, busca tu comunidad o tu red de apoyo. Permítete intercambiar ideas y aceptar críticas constructivas, así se forma un artista honesto, capaz de adaptarse a los cambios y de enfrentar las adversidades.
Décimo tercero, aprende cuándo insistir y cuándo desistir. A veces hay espacios, personas o situaciones de las cuales vale la pena seguir luchando y otras por las que no.
Décimo cuarto, toda obra o producción es el conjunto de un todo. Una buena obra no se define por la calidad meramente visual o técnica, sino también por la calidad del mensaje, y viceversa.
Podes encontrar a Alaiz Art en:
Instagram: @alaiz.wings
Sitio Web: https://alawingsart.wixsite.com/wingsart
Contacto: https://bit.ly/m/ALAIZART
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